これはあるあるですね。

個人差があると思いますが、自分が絵を描く目的を明確にすることが重要だと思います。

例えば、自分を知ってほしいから絵を描く、自己表現のために描く人、他者に感動を与えるために描く人、仕事として描く人など、様々な目的があると思います。

描く前に、その前提を明確にしておくことで、アイデア不足やほとんどの悩みは乗り越えられると思いますね。

描きたいものがない場合は、自分が本当に好きなことや得意なこと、周囲から褒められてきた絵など、自分の得意分野を探すことが大切です。

ちょっと自己分析みたいなのものをしていったら、自ずと描きたいものが見つかるかもしれません。

それと、新しいことに挑戦しすぎて自分の発想力が追いついていない場合は、

他の方のイラストを見て勉強したりとか。

何かのオブジェから、それをどうにかしてキャラクターに変換してみるとか笑

あとは資料を集めて傾向を調べることも、構図についてのアイデアを得る上で役立ちますね。

あー…僕はあまり精密なラフを描かないんですよね…。

シルエットのラフ画は描いたりするのですが。

多くの場合、イメージ通りに描けない原因は、ラフで何本も線を引いてしまい、見る人が勝手にその線を補正してしまうことによるものだと思います。

だから、ラフの方が良かった、となってしまうのかもしれません。

対策としては、線ではなく、形で捉えることが重要です。

そうですね。

シルエットはとても大切だと思います。そうすることで、完成イメージとの差が縮まると思います。

それと、イメージ通りに描けないと時間がかかってしまうことが悩みですが、自分のイメージ通りになるまで、時間をかけることもアリだと思います。

逆に、時間がかかりすぎてストレスを感じる場合は、まずは目標を明確する必要があります。

例えば、どこまで描けば完成と言えるのかを決めておくことが大切です。

そうすれば、自分が描きたいものに必要なステップが明確になり、イメージ通りに描くために必要な時間も削減できます。

イラストによって、まちまちですが、1枚あたり6時間から10時間かかることが多いですね。

SNSでは、画力以外のアプローチも必要だと思います。

そうですね。

「画力プラス、何か」っていうのは必須になってくるんじゃないかなと思います。

結局、SNS上での成功には、画力だけでなく、人とのコミュニケーションや、自分自身の魅力をアピールすることも重要だと思いますね。

あー、その気持ちを持つ人はたくさんいますよね。

これもまた難しいテーマなのですが、

そのガクンとなった状況が良いことなのか悪いことなのかは、その捉え方次第だと思います。

例えば、反骨精神をうまく利用して、自己成長に繋げていく人もいれば、

心が折れてしまい筆を折ってしまう人もいます……。

具体的な対策として、

Twitterの場合は予約投稿をおすすめします。

作品を即座に投稿するのではなく、1週間後に投稿するというやり方です。

「よっしゃ完成した！さあ見てくれ」っていう勢いで作品を投稿しちゃって見られなかったときより、「よし完成した。1週間後に予約投稿しよう」と考えて投稿するのとでは、

ダメージは全然違います。

重要なのは、間隔を置いて投稿することです。2日でも3日でも。

例えば、1週間後に投稿されると、もしその作品で思っている評価が得られなくても、

その間、新しい作品に取りかかっていれば、「今取り組んでる作品で挽回しよう！」という気持ちの切り替えにもつながります。

この方法を使うことで、作品を投稿した直後よりも落ち着いて反応を見ることができ、心理的な負担が軽減されるかもしれません！

自分の絵と他人の絵を比較して違いに気づいたときや、Discord上で自分が描いている様子を知り合いに見てもらって、率直な意見を言ってもらえる時です。

これら二つが上達したと感じる瞬間ですかね。

はい、僕の場合はDiscordの作業通話ですが、Twitterなどで投稿する場所がある場合は、そこで意見を求めるのもいいと思います！

個人的に、
「人に聞く、アドバイスしてもらう」これは超重要なことだと思います。

そうですね。
そういう人が、他人と関わらずに同じ効果を得るには、少しハードルが上がるかもしれません。

ですがアドバイスとしては、自分が当たり前だと思っていることを一旦忘れることですかね。

例えば、常にB5のキャンバスで描いていた場合、それをやめてみるとか。
線画は綺麗に描くべき、って思っていたら一旦それをやめてみる。どんな事でもいいんですけど、なにかやり方を変えてみる。

上達や変化に繋がるかどうかはわかりませんが、新しい発見はあるかもしれません。

やり方を変えてみて、作品が劣化したと感じるなら、 今までの自分のやり方が正しかったという気づきも得られますしね。

はい。2冊ありまして、

1冊目が、「キム・ラッキの人体ドローイング」という本です。

僕も、すごく画力の高い知り合いに勧められ、参考にしています！

この本は、人体を描く際に参考になる様々なポーズや、

複数人の絡みなどを描くってなった時に、人間ができるポーズ、できないポーズや曲がる関節の角度などを丁寧に解説しているのでめっちゃ参考にしています。

それは逆です！

よくある時系列になっている解説本とは違い、この本は、

どのページからでも繋がりがないため、自分がそのとき、使いたい、
知りたいことを探して読むっていうことができるんです！

はい、ただ高いですけどね。笑

2冊目は「イラストでお金を生み出す秘訣」という本です。

絵の技術的なことではなく、イラストレーターとして活動方法や考え方について書かれています。

「イラストでお金を稼ぐ秘訣」ということですが、

この本には、お金以外の話題も含まれて、SNSや著作権についてのアドバイスなども載っています。

そもそも、なぜ絵を描いているのかを考えるきっかけにもなりますし、行き詰まりを感じていたり、方向性が定まらなかったりするときに、とても役立つ本だと思います。

自分が絵を描く目的は何なのかを明確にすることができるので、悩んでいたり、何をすべきかわからないという場合には読んでみることをおすすめします。

塗り方については、正直に言うと練習したり、本を読んだり、メイキングを見たりはしないですね。

ほんとに、人に聞いたり、他の人の絵を見たりして勉強することが多いです。

あ、でも、クリエイターの価値観に関する話題の動画をよく見ますね。

例えば、「残りの5割」のように技術的な側面だけでなく、クリエイターとしての価値観や心構えについての動画とかは見たりします。

僕は基本、練習というものはしてこなかったですね……。

基本的には実践の中で、分からないことがあったらその都度調べて、すぐに作品に反映しています。描いている最中に描けないものがあったら、描き方を調べます。

今自分で振り返ってみても、練習したことがあるかどうか思い出せないぐらいです笑。

自分が描きたい絵や描きたいものを描く中で、何か吸収していっているのかもしれませんね。

性格的に成果物ができないと、達成感が得られないタイプなので、「練習だけ」と言うのは苦手かもしれません。

むしろ完成品を目指して途中でわからなくなったら、資料や書き方を調べてそれを取り入れて完成させる方が、上達が早いように感じます。

ただ、絵を描く人によって練習方法は異なると思います。（背景とか、キャラとか）

なので、自分が目指す完成作品を描くことで、それ自体が、 自分が表現したいイラストに特化した練習になるかもしれません。